因此,从写歌的乐趣角度出发,我希望写歌的朋友都能在理性的约束下写出有个性的旋律出来,这才是乐趣。最后讨论一个写歌水平的维持的问题
大家也许都注意到国内的创作型歌手都非常短命,要么就一首歌出名,要么就一张专辑出彩,很少有能维持创作水准的歌手。比如郑钧,唐朝等等。大部分人的观点有两点:1是因为出第一张专辑的时候他们的生活比较艰苦,体验比较深刻。成名后生活水平的提高引起了创作想法的变化,很多物质因素左右了他们,所以以后就平庸下去。2是因为第一张专辑是他们多年灵感的积累,成名后灵感用的差不多会枯竭,没灵感就没好歌。对于这种“物质生活论”和“灵感论”不是完全没道理,但是我觉得肯定不是主要原因。国外的乐队很多70年代就成名了,到了现在还有好的专辑和好的单曲不断涌现,难道他们作曲不受物质生活和灵感枯竭的影响?
有人问李敖“你写作需要灵感吗”他反问“妓女卖需要性欲吗”,这实际上已经说明了问题。创作不能靠灵感去维持,要靠基本功和积累。纯粹用灵感去写歌是非常累的,你不光要靠灵感想出一个漂亮的开头,还要靠灵感想出一个漂亮的过渡,然后还得灵感突发写出一个漂亮的高潮,余下每首歌都这样,这样持续下去你还能不枯竭吗?真正的写歌是借助一个动机来发展的,动机就是灵感,余下的部分是靠作曲者对音乐创作技巧和理解发展而成的。强调灵感忽视作曲技巧的人迟早要走进资源枯竭的死胡同。国内创作型歌手艺术生命短就是因为基本功和积累不够造成的。对于国外那些大师级的人物来说,他们随便信手拈来的东西都会让我们觉得深不可测,为什么?基础不一样啊!对他们来说,灵感不是什么特别的东西,只要找到一个写作的方向就可以发挥了,一切按照他们的作曲风格进行,就这么简单。
所以说想维持自己的写歌水准或者想进一步,很简单,把基础再打牢点,积累再深厚些。学习学习再学习是解决这个问题的最终办法。那种把自己关在录音棚里面闷头找灵感的方法是没有效果的。暂且先写到这里,欢迎各位朋友批评指正续
续一:
灵感也是十分重要的,虽然我这么重视基本功,但不得不说音乐不是傻练就就可以练出来的。曲子写的好不好听,跟一个人是否有这方面的天分是很有关系的。其实玩乐器玩的好的人都应该说是有乐感,有天赋的,但是不是每个乐器高手都可以写出很好的作品。任何事情都会有它的反面,过犹不及,正如你说的有灵性的人也有可能走入框架的误区,如何掌握这个度也是一个人的天赋也就是感觉问题。
但是关于学院派,谦虚一点说,毕竟作曲的这一套理论和各种训练已经经历了多少个世纪多少个音乐天才的发展和研习,产生了这么多经典令人匪夷所思的作品。要想否定它的作用,还轮不到我们这些半瓶子水的小青年。我们还是踏踏实实倚靠理论对于我们国内的音乐的大环境来讲是个良性的促进。
学院派的这套东西之所以不被大家看好,是因为国内的学院派作曲人没出过几个好东西,实践能力不行,又不屑于写流行的东西,有点象学武成了武痴,反而变的不通事理看不开了。但是大家走出去到国外看看,情况完全不是这个样子。很多好东西在国内就是存在误解的,比如摇滚,在国外是很正常很主流的,在中国就是另类和社会混混的象征。美声唱法在国内是非常严肃非常正统甚至是非常做作的唱腔,但是听听老外唱美声完全不是这么回事,而是非常自然非常有感染力的声音。学院派这个东西也是这样,如果你觉得学院派的东西学多了过于死板,公式化,我想那是国情造成的。国外很多好的歌曲都是正统出身的学院派作曲人士的作品,包括我们所知道的歌剧之王韦伯,好莱坞的电影音乐,还有意大利之夏这样通俗的作品都是学院派的代表。你会觉得那些作品很公式化吗?如果这样还觉得我只能说审美过于苛刻了。很多好的东西实际上是被我们自己人给误导了。
总之,多掌握点基础和各种技巧是没有坏处的,关键就是看你自己怎么运用了,用不好就是死板,用的好就是经典。